Una vez tengas conceptualizado un proyecto audiovisual es muy probable que requieras de otros profesionales que se suban al barco o que busques financiación para que todo llegue a buen puerto. Esto significa que tendrás que armarte de todo el carisma posible a la hora de contarle a otros de qué va tu proyecto. Porque, aunque tu guión sea espectacular, sin un buen pitch no destacarás en este sector tan competitivo.

El pitch (de sales pitch, argumento de venta) es una breve presentación en la que debes explicar cuál es la historia, qué la hace especial, quién está implicado, y, sobre todo, cómo estaría involucrada la persona a la que te diriges. El pitch lo suelen hacer los guionistas, directores o productores que buscan atraer recursos para el desarrollo y financiación de un proyecto.

Un elemento básico del pitch es el hook, o gancho de venta, es decir, aquello que hace destacar a nuestro proyecto. Por tanto, es fundamental que sepas expresar de manera atractiva y convincente tu visión sobre el guión y lo que lo rodea (el casting, localizaciones, ambientación, dirección, fotografía…). En definitiva, deberás transmitir pasión, seguridad y profesionalidad para que tu proyecto se haga realidad.

El mundo del espectáculo es uno lleno de supersticiones y tradiciones. Por ejemplo, la expresión «mucha mierda», o la inglesa «rómpete una pierna» significan ambas «mucho éxito», ya que decirlo explícitamente puede resultar gafe. La primera se remonta a cuando la gente se desplazaba en caballo, cuando una gran cantidad de excrementos en la entrada del teatro significaba una gran afluencia de público. Asimismo, se cree que la expresión «rómpete una pierna» hace referencia a las veces que los actores se tenían que arrodillar ante el público cuando estos aplauden al final de una obra. A más aplausos, más tiempo tenían que saludar.

Por otro lado, ni se te ocurra mencionar a Macbeth, bien es sabido en el gremio del teatro que la obra de Shakespeare está maldita por las tres brujas de la historia. Muchas tragedias han tenido lugar en las producciones de esta obra, o cuando ha sido mencionada, por lo que se la conoce simplemente como «la obra escocesa». Tampoco vistas prendas amarillas. Se dice que Molière vestía de amarillo (aunque cambia dependiendo del país) en el estreno de El enfermo imaginario, donde se comenzó a encontrarse mal y falleció a las pocas horas, por lo que el amarillo está vetado del escenario.

Vale, ya tienes pensado tu proyecto y cómo lo vas a financiar. Pero ¿sabes cómo vas a destinar esos recursos? Elaborar un presupuesto sólido es fundamental para garantizar una gestión financiera adecuada y evitar sorpresas desagradables.

Determina el tipo de producción que deseas realizar, la duración, los equipos y talentos necesarios (iluminación, sonido, elenco, vestuario, maquillaje, etc.), así como los lugares de filmación. Compara precios y busca lo que mejor se adapte a tu proyecto. Considera tanto el coste de alquiler como la posibilidad de compra de equipo. Calcula además el coste de producción relacionado con el personal, como el salario de actores, directores, camarógrafos, editores, etc. Esto incluye transporte, alojamiento y alimentación para el equipo durante la producción.

Ten en cuenta los gastos de postproducción: mezcla de sonido, música, efectos visuales, y demás. Estos aspectos son esenciales para lograr un producto de calidad.

Por último, incluye un margen adicional para gastos generales y contingencias imprevistas. Mantén un registro detallado de todos los gastos y ajusta el presupuesto en consecuencia si es necesario. Y, sobre todo, recuerda que cada proyecto audiovisual es único y requerirá un presupuesto adaptado a sus características específicas.

Los festivales de cine son uno de los mayores acontecimientos para los profesionales del sector audiovisual, ya que reúnen a cineastas, actores, productores y aficionados del cine de todo el mundo para presentar y promocionar nuevas películas, cortometrajes o documentales. Son el lugar perfecto para conocer las últimas producciones y tendencias, así como para establecer contactos en la industria.

Incluyen estrenos mundiales, premieres, homenajes y competiciones, así como eventos especiales, ya sean conferencias, mesas redondas, galas de premios o proyecciones al aire libre.

Estos festivales ofrecen a los cineastas la oportunidad de presentar su trabajo y obtener un reconocimiento en la industria cinematográfica. También suponen una oportunidad para distribuidores y productores, ya que aquí adquieren nuevos proyectos para distribuir a nivel internacional.

El primer festival de este tipo fue el Festival de Cine de Venecia, que arrancó en 1932 y sigue siendo hoy uno de los más destacados. Otros festivales que deberías conocer son el Festival de cine de Cannes, el de Venecia, el de Berlín, el de Sundance, el de Tokio o el del Mar de Plata, entre otros. En España también contamos con el Festival de cine de San Sebastián, el de Sitges o el de Málaga.

Los albores de la cinematografía suelen describirse con algunos nombres, como el de los hermanos Lumière o Georges Méliès. Pero hubo una cineasta invisible que, a pesar de su contribución significativa a la industria, fue olvidada durante muchos años: Alice Guy.

Alice Guy-Blaché fue una pionera y una de las primeras directoras de cine de la historia. Cierto es que comenzó su carrera en la industria en 1894, trabajando para los hermanos Lumière en París. Unos años después, en 1896, Guy fundó su propia compañía, Solax Studio, y realizó su primera película: La Fee aux Choux. A lo largo de su carrera, dirigió y produjo más de 1000 películas, que abarcan diversos géneros como la comedia, el drama o el documental.

No solo eso, también experimentó con nuevas técnicas y estilos narrativos. Se le atribuye la creación de algunas de las primeras películas narrativas, así como el uso de efectos especiales y técnicas de coloración en el cine mudo.

En las últimas décadas, ha habido un renovado interés en su trabajo y legado. Hoy se reconoce a Alice Guy como una figura influyente en la historia del cine y una defensora de la igualdad de género en la industria cinematográfica.

¿Alguna vez has escuchado eso de que una película es, o parece, de «serie B»? ¿Por qué se ha convertido en sinónimo de una mala producción?

Este término hacía referencia a las películas de bajo presupuesto que los grandes estudios de Hollywood añadían a una doble función durante los años 30. Vamos, un 2x1, en el que primero te mostraban la nueva superproducción (A) y, después, en el segundo pase, una de menos calidad (B). Estados Unidos estaba sumido en la Gran Depresión, así que la industria cinematográfica necesitaba ingeniárselas para atraer espectadores al cine.

Así pasó a usarse para describir películas burdas (o transgresoras) en cuanto a su forma, género, lenguaje y temática. Las películas de género se favorecieron, ya que las producciones de serie B popularizaron las cintas de vaqueros, de ciencia ficción o de terror. Muchas de ellas han llegado a convertirse en clásicos y películas de culto, inspirando posteriores producciones, como The Rocky Horror Picture Show.

Directores de renombre como Quentin Tarantino y Robert Rodriguez han rendido homenaje a estas producciones. Por ejemplo, en su proyecto conjunto llamado Grindhouse, un doble pase de las películas Death Proof y Planet Terror, cada una dirigida por uno de ellos.