El sonido y la música cumplen una función estructural esencial en el manejo de la continuidad del montaje visual.

La interrelación de la música con el montaje produce dos efectos claves: en primer lugar cabe la posibilidad de que la música resalte o no las transiciones entre planos y en segundo lugar que se convierta en el recurso básico para mantener la continuidad de la narración.

Las transiciones no son solamente elementos visuales, sino también se puede utilizar el sonido como complemento para establecer qué tipo de transición tenemos. La música, con su sola aparición, modificará la imagen introduciendo algún elemento dramático o estructural, lo queramos o no.

El control de esta faceta de la música lo obtendremos eligiendo cuidadosamente el punto exacto en que ésta debe comenzar así como el momento en que acaba.

Además de las funciones decorativas y de relleno podemos distinguir varias funciones estructurales:

• Función unificadora: Da unidad a la película
• Función transitiva: Da continuidad en el paso o transición de una secuencia a otra o de un plano a otro.

Y dos funciones estructuradoras:

• Marcar un cambio de plano o de secuencia

Para realizar un buen registro del sonido de una acción es necesario conocer los planos sonoros de la misma.

Para una determinada posición del micrófono existen varias posiciones de la fuente que dan la misma impresión de distancia aparente y viceversa. Todos estos emplazamientos corresponden a lo que se llama mismo plano sonoro.

También al hablar del sonido hemos de tener en cuenta el punto de audición, de igual forma que en la imagen es fundamental el punto de vista.

Cuando hablamos de perspectiva sonora nos estamos refiriendo a la sensación de distancia o acercamiento que nos produce un emisor de sonido con respecto a nuestro punto de audición.

Nuestro oído es sensible al desplazamiento y esto queda acentuado cuando el elemento receptor es un micrófono. El cerebro puede determinar la distancia y dirección de procedencia del sonido gracias a ese complejo y sofisticado mecanismo que es nuestro sistema de audición.

Variando la distancia fuente sonora-micrófono cambiamos de plano sonoro, y hay que cambiar la relación sonido directo-sonido reflejado que recoge el micrófono. Un plano sonoro viene dado por la relación: Sonido directo/ sonido reflejado. Debemos variar esas distancias de la misma forma que montamos un conjunto de planos de imagen.

Hacer fotografía, con todo el avance tecnológico y los dispositivos móviles, ha influenciado en la idea “general”, que hacer fotografía de producto es sencillo, pero no es así.

Para elaborar una buena fotografía, independientemente de su género, siempre hay que realizar una previa planificación, y más cuando hablamos de fotografía de producto, la cual debe transmitir unos valores al estar ligada a la publicidad.

La clave indispensable, como fotógrafo es generar un documento visual denominado como MoodBoard. Con este documento, repleto de referencias visuales propias o de otros artistas, el fotógrafo puede planificar previamente las necesidades y conseguirá comunicar a sus clientes cual es la idea artística que ha generado para reflejar la esencia del producto.

Por este motivo, podemos hacernos una serie de preguntas que nos faciliten el desarrollo de nuestro MoodBoard, por ejemplo:

1. ¿De qué trata su nueva colección? ¿Qué materiales va a usar?
2. ¿Cuál es el público objetivo? ¿Qué características en un modelo lo representan? Edad, altura, rasgos...
3. ¿Cómo puedo representar estas ideas a través del maquillaje y el estilismo?
4. ¿Cómo puedo representar estas ideas en el set y la localización?
5. ¿Cómo puedo representar estas emociones a través de elementos u objetos?
6. ¿Cómo puedo representar estas emociones a través del color y la luz?
7. ¿Cómo puedo complementar estas ideas con la edición? Temperatura, saturación, filtros, etc.

Todas estas preguntas os ayudarán a gestionar un buen MoodBoard unido a su vez a un poquito de creatividad y trabajo.

Cuando una compañía teatral se dispone a representar una obra teatral en un espacio que no es el habitual del diseño de dicha obra, será necesaria la adaptación de la iluminación; o lo que es lo mismo, la identificación de las necesidades del espectáculo en un nuevo teatro.

Las cuatro preguntas clave que habrá que hacerse para llevar a cabo esta correcta adaptación son:

• ¿Qué focos utiliza el espectáculo y qué función tienen dentro del mismo?
• ¿El teatro dispone de un material equivalente al que necesito, si no es el mismo?
• Si el teatro de acogida no tiene el material necesario, ¿Se puede adaptar el espectáculo con el material disponible o tendremos que alquilar material?
• ¿Cómo distribuiré el material en el espacio escénico sin que la iluminación del espectáculo pierda su esencia original?

Además, dos de los factores clave para la adaptación del diseño de una iluminación a un teatro de acogida serán: el espacio (medidas del espacio escénico y disposición del propio espacio) y el equipo con el que contamos (números de focos por tipo y modelo, dimmers y modelo de la mesa de control de la iluminación).

El procedimiento básico consiste en cuatro pasos que tendrán mayor o menor incidencia según el ámbito profesional en que nos encontremos.

Control de la reflexión: Lo primero será adecuar el ambiente del decorado, tema o personaje a la ambientación deseada: tonalidad de los objetos, pintura, vestuario, maquillaje, etc. Se controla la reflexión de la luz hacia la cámara; atrezando e incluso pintando de tonos claros u oscuros los elementos de la escena.

Iluminación: El empleo de luces de pequeño o gran tamaño influirá en el contraste, así como la distancia y su angulación. Es importante iluminar con la finalidad clara del ambiente que se quiere conseguir. Es la narrativa de la luz.

Exposición: Mediante el ajuste de diafragma y/o obturador conseguiremos imágenes más claras o más oscuras, partiendo de una exposición correcta, además de la finalidad narrativa. Valoraremos la combinación sensibilidad del material/ exposición correcta.

Revelado o postproducción: El tratamiento final que llevemos a cabo de la imágen influirá especialmente en el contraste de la imagen. Los programas de edición nos permiten modificar el contraste a voluntad, siempre que haya suficiente rango dinámico. Para controlar este valor nos servimos del histograma.

La iluminación propiamente dicha no sería nada sin la figura del iluminador o la iluminadora, que es la persona que controla las fuentes lumínicas que conllevan una iluminación; pero… ¿Qué es iluminar?

Resulta ser la creación de atmósferas y ambientes mediante una distribución entre subjetiva y objetiva, de las luces y el color de las mismas. Todo ello viene acompañado, sin duda, de los colores que están organizados de manera justificada (de una forma más técnica y visual) y expresiva (de forma más creativa y orientada al color).

Dependiendo del tipo de obra se destacan unos u otros aspectos con dicha iluminación, no obstante, las tres finalidades que siempre deben contar para el diseño de una buena iluminación son:

• Que la obra pueda verse de manera física (luz para ver).
• Que se cree un ambiente y una atmósfera para transmitir ideas, emociones y dirigir la mirada del espectador hacia donde el iluminador lo requiera (luz para mirar).
• Que se vea la propia luz dentro de la obra teatral (luz para contemplar).

Siempre habrá que tener en cuenta estas tres finalidades, que conllevan que los espectadores perciban la obra y el punto de vista desde el que hemos creado el diseño de su iluminación.

El time-lapse es una secuencia de fotografías de una misma escena realizadas con poco tiempo de separación entre una y otra. La sensación que produce es de un vídeo a cámara rápida.

Necesitas un intervalómetro para tomar fotos cada cierto período durante un tiempo especificado. También debes usar un trípode, ya que la escena no va a tener variación de encuadre.

Es esencial calcular el tiempo de la sesión y el intervalo entre foto y foto. Estos valores dependen de la velocidad a la que se muevan los objetos y del ritmo del vídeo final:

• Nubes: entre 5 y 15 segundos.
• Gente o coches en la calle: entre 2 y 5 segundos
• Flores floreciendo: entre 30 minutos y 1 hora.

Para conseguir 1’’ de vídeo hacen falta 25 fotografías. Si el time-lapse dura 20 segundos, tendrás que hacer 500 fotografías (20’’ x 25 fotografías). Imagina que quieres fotografiar un paisaje con nubes y estableces un intervalo de 10 segundos entre toma y toma. Tendrás que estar una hora y 20 minutos haciendo el time-lapse (500 fotos x 10’’/ 60’’= 83 minutos).

Para montar el vídeo final, utiliza un software de edición, como Adobe Premiere, After Effects. También puedes usar Photoshop.

Actualmente, con el impulso de las redes sociales, la arquitectura ha subido puestos como uno de los temas preferidos para fotografiar.

Está disciplina, dentro del mundo fotográfico profesional, tiene como característica principal el desarrollo de la técnica. Pero, ¿no ocurre esto en cualquier tipo de fotografía?

Efectivamente, pero debemos tener en cuenta que tenemos unas condiciones determinadas que particularizan este tipo de fotografía.

En este caso, nuestro objeto es inamovible, por lo que el fotógrafo es el encargado de moverse por el espacio para buscar el encuadre y su composición perfecta según lo que quiera transmitir. Del mismo modo al ser elementos de elevada magnitud no podemos optar por equipo de iluminación, dependiendo casi exclusivamente de la luz natural, por lo que debemos tener en cuenta los factores climatológicos y horario en el que realicemos la fotografía.

Estos factores y alguno más, aunque con una importancia algo menor, juega un papel importante en la composición de nuestra imagen, como por ejemplo la dirección de nuestras sombras, la intensidad de los colores, etc.

Es decir, numerosos factores creativos que posicionan nuestra imagen como algo único, no siendo posible sin el control de la técnica fotográfica que hemos comentado.

Como referente fotográfico, podemos señalar a Sebastian Weiss. Sus obras son características por aislar las diferentes secciones de un edificio, reconstruyendo completamente el significado del espacio, generando una fotografía artística y conceptual.

El tiempo narrativo es un término que hace referencia al momento en que se nos cuenta una historia dentro de una obra audiovisual. Es especialmente relevante cuando dentro de una narración audiovisual se genera un segundo nivel narrativo, es decir, se nos cuenta una historia dentro de la propia historia.

Podemos tener diferentes casos de tiempo narrativo:

• Narración posterior a los hechos narrados.

El protagonista nos narra una historia que ya ha pasado. Podemos ver esto en obras como Ciudadano Kane de Orson Welles o Forrest Gump de Robert Zemeckis.

• Narración anterior a los hechos narrados, como en premoniciones, anticipaciones, o en general cualquier obra que use un flash forward.

Por ejemplo podemos ver esto en la película Sherlock Holmes de 2009 dirigida por Guy Ritchie.

• Narración simultánea a los hechos narrados, es decir se alterna con imágenes de acciones que se están llevando a cabo al mismo tiempo.

Por ejemplo en Bienvenido Mr. Marshall de Luis Berlanga.

• La narración está intercalada entre los momentos de la acción, como en las novelas o películas epistolares donde no es fácil distinguir el tiempo de la acción y el de su narración.

Podemos verlo en 500 días juntos de Marck Webb

Los globos, los grandes ‘desconocidos’ de la iluminación, nos permiten proyectar formas muy interesantes a la hora de iluminar eventos de diversas índoles, pero también para recortar el haz de luz de una luminaria.

Realmente son filtros opacos troquelados y de forma circular, con formas que son las que queremos proyectar y existen dos tipos básicos: De acero y de vidrio.

En el caso del primer tipo de globos, son chapas de acero perforadas que representan formas distintas y se pueden llegar a hacer por encargo. En el caso de los de vidrio, pueden ser en blanco y negro o a color; también pueden llevar fotografías impresas o incluso crear efectos de color y texturas.

La diferencia entre ambos no es sólo el material de fabricación, sino también el uso que les podemos dar dentro de un foco elipsoidal. Sin embargo, algunos fabricantes también los crean en plástico. Algunos de los focos (como las cabezas móviles) poseen globos prediseñados incluidos en la propia luminaria para proyectarlos, pero realmente no están diseñados de manera personalizada.

Resulta interesante el uso de los globos porque las sombras chinescas nacieron de una manera similar a los globos, pero cientos de miles años atrás, cuando nuestros antepasados utilizaban el fuego como única fuente de luz artificial.

La luz es la materia prima de cualquier fotógrafo, el cual debe dominar a la perfección para conseguir unos buenos resultados.

Cuando fotografiamos en cualquier escenario, sobre todo en interior, es imprescindible tener en cuenta tres factores que influyen en la luz de nuestra escena y por tanto modifican el sentido artístico y expresivo de nuestra fotografía: la direccionalidad, la calidad y la ley inversa del cuadrado.

En esta breve descripción, nos centraremos en la direccionalidad de la luz, ya que es la cualidad con mayor importancia en la creación de una fotografía.

Para comprender la direccionalidad, debemos entender cuáles son los cinco efectos que la luz produce al caer sobre un objeto o sujeto y cómo podemos manipularlo como fotógrafos para comunicar un mensaje en nuestra fotografía. Estos efectos siempre van a estar presentes en nuestra escena, aunque en la imagen no sean visibles. Estos son:

• Luz especular: aparece sobre todo en los objetos brillantes, por lo que puede ser definida como el destello principal, es decir el reflejo de la luz en el objeto. En los opacos no es tan visible.
• Altas luces: considerada como la zona más iluminada.
• Transición de sombras: La zona en que la luz comienza a ser sombra. Dicha transición puede ser dura o suave dependiendo del tipo de luz.
• Sombra: Toda la zona que no está iluminada de forma directa, pero tiene cierta exposición.
• Sombra proyectada: Sombra que se proyecta en otra superficie.

Conocer estos efectos ayudarán a mejorar vuestra técnica fotográfica, debido a que conseguimos modificar los volúmenes o el dramatismo de la imagen dependiendo de cómo manipulemos las luces y las sombras, según la direccionalidad.

Encontrar una imagen en concreto será fácil si sabemos dónde y cómo buscar. Para ello, es necesario un buen sistema de organización del archivo fotográfico. Construir un organigrama para nuestras fotografías no es complicado, se puede resumir en estos tres consejos.

1. Establece un flujo de trabajo constante.

No dejes para mañana lo que puedes hacer hoy. Guarda tu trabajo nada más llegar a casa; importa las fotos; renómbralas; clasifícalas y asigna palabras clave.

2. Asegura el trabajo

Puede pasar cualquier cosa en cualquier momento. Si solo tenemos un disco duro, perderíamos todo. Por eso te recomiendo que dupliques o tripliques tus archivos en varios sistemas de almacenamiento. Utiliza uno de ellos como almacenamiento principal. El otro lo puedes tener como copia de seguridad y actualizarlo cada vez que añadas archivos nuevos al primero.

Otra opción es usar algún sistema de almacenamiento en la nube.

3. Introduce palabras clave

Deben dar respuesta a seis preguntas:

• Quién aparece en la foto.
• Qué se ve en la foto.
• Dónde se encuentra el modelo.
• Cuándo se tomó la foto.
• Por qué se tomó la foto.
• Cuántas personas aparecen.

La luz siempre será un elemento fundamental cuando se trate de realizar cualquier intervención artística audiovisual, ya que la iluminación aporta una estética y una carga narrativa difícil de conseguir sin el control de las luces que rodean el espectáculo o la toma fotográfica.

En retratos, uno de los géneros fotográficos más antiguos, se utilizan dos estilos de iluminación concretos: Clave alta y clave baja.

El esquema de iluminación de clave alta trata de emular muchas luces y pocas sombras que permitan aportar suavidad a la escena, pero también eliminar defectos de la persona retratada.

En lo referente a la clave baja, se puede utilizar en mayor medida para conseguir un efecto con mayor dramatismo en la escena, mayor cantidad de sombras y dominantes de color como el gris oscuro o el negro prácticamente.

Cuando queramos contribuir a conseguir una mayor profundidad en el rostro del/la modelo, la fuente de iluminación principal tendrá que estar colocada de manera que incida lateralmente sobre el rostro del/la modelo con una iluminación directa y dura; gracias a este esquema básico, conseguiremos aportar tridimensionalidad y volumen a nuestras fotografías iluminándolas correctamente.

Las actuaciones musicales en directo son una ocasión perfecta para hacer fantásticas fotografías. Son momentos en los que hay mucha energía en el ambiente y la iluminación crea escenas únicas. Aquí tienes unos consejos:

• Velocidad rápida

  El objetivo es que los artistas salgan congelados en la fotografía y que no haya o trepidación. Para lograrlo, ajusta la velocidad de obturación en unos niveles rápidos como 1/125.

• Lentes y planos

  Los objetivos más adecuados para hacer fotografías de conciertos son los más luminosos, los que permitan abrir más el diafragma.

  Respecto a las distancias focales, no hay una lente específica para conciertos. Dependerá del plano que quieras abarcar: un plano general de la sala de conciertos o estadio; un plano más cercano de toda la banda o de alguno de los componentes; un primer plano del artista o de algún instrumento.

• No cortes los instrumentos

  Un error en la fotografía de conciertos es realizar planos demasiado cortos de los músicos mientras están tocando un instrumento y cortarlo por alguna parte. Es el caso de las guitarras y el problema del mástil. Intenta integrar este elemento en tu totalidad en el encuadre.

Una sucesión de puntos conforma una línea: una de las reglas de composición más importantes de todos los tiempos que utilizamos como elementos importantes para guiar a los espectadores en las fotografías. Estas líneas pueden ser reales o imaginarias (aquellas que nuestro cerebro dibuja cuando ve unaimagen con varios puntos que se suceden) y es inevitable aceptar que provocan reacciones psicológicas en función de su orientación y dirección.

Por ejemplo, las verticales permiten aportar una sensación de equilibrio, firmeza, estabilidad y poder; las horizontales aportan al espectador una impresión de pacifismo, permanencia,tranquilidad y de ser realmente estáticas.

En cambio, las líneas diagonales son activas y dinámicas, lo que permite crear una emoción enel espectador tal como la tensión, la acción o el movimiento de las mismas, aunque seanestáticas en una fotografía; cuando se alejan, crean una sensación de perspectiva en la escena.

Las líneas curvas sugieren movimiento, las de zigzag son erráticas, activas, tensionales...

Las líneas están en todo lo que nos rodea, sólo tenemos que aprender a mirar para sacar su máximo partido en cuanto a composición fotográfica.