¿Podemos percibir un sonido y tener la sensación de que nunca deja de ascender o descender? Pues sí, es lo que se conoce como la paradoja Shepard. Este efecto (también conocido como escala o tono de Shepard) consiste en escuchar el sonido de unas notas que van subiendo en la escala. Ese sonido complejo, generado electrónicamente, consiste en una superposición de ondas sinusoides (tonos) separadas por una octava. A medida que ascienden, los más altos se disipan mientras que los más bajos ganan fuerza. Al ponerse esos tonos en bucle, el cerebro cree escuchar un sonido ascendente, pero en realidad se trata de un sonido estable. Además, cada escala aparece y se desvanece, siendo imposible detectar su inicio o final. Esa ilusión sonora transmite una sensación de tensión ascendente, cuyo efecto es más inquietante cuando el sonido es continuo. Es aún más convincente si las notas se separan por un corto silencio (mejor staccato o marcato). En el cine, directores como Cristopher Nolan han utilizado este recurso, otorgando a sus películas un aura claustrofóbica y de tensión constante, en la playa del film Dunkirk o en algunos títulos de la saga Batman, como El caballero oscuro.

La evolución de los sistemas de sonorización ha implementado tecnologías que permiten direccionar las ondas para combatir aquellos parámetros físicos que atenúan o generan cancelaciones entre fuentes (comb filter), fundamentalmente en altas frecuencias, por su reducida longitud de onda. La fuente acústica puntual que reproducía una onda de superficie esférica se sometía a la reducción impuesta por el cuadrado de la distancia. Con la llegada del arreglo lineal, esta pérdida de energía se controlaba, perfilando ondas de superficie cilíndrica. A pesar de ello, en las frecuencias agudas seguían existiendo problemas de eficacia. Los transductores conocidos como guías de ondas solventaban el acoplamiento, consolidando un frente de onda optimizado y enfasado, pero haciendo uso de una simulación de enrutamientos internos que reducían el rendimiento. Modelos más actuales consolidan un frente de onda de alta frecuencia coherente, isofásico, controlando los patrones de cobertura vertical y horizontal sin las desventajas anteriores. Se diseñan mediante secciones transversales distribuidas uniformemente a lo largo del camino acústico, siendo éstas de igual longitud al camino más corto posible. Cada sección transversal define en el límite exterior el corrector de fase, asegurando que la energía que llega a la abertura de salida lo hace en alineación temporal.

Los compresores son sin duda el elemento más usado en los estudios de grabación. Su desarrollo fue fundamental para la evolución de las técnicas de grabación y mezcla que usamos hoy en día. Los hay de varios tipos según cómo consiguen aplicar la reducción de ganancia, lo que produce también variaciones en el tiempo que tardan en hacer la reducción y en el tipo de distorsión armónica que generan. Por eso cada uno está indicado para una aplicación ÓPTICOS Los primeros compresores, diseñados como tal, fueron de este tipo. Su funcionamiento consiste en una célula fotosensible y una una bombilla. La señal de audio se transforma en la luz y varía su intensidad de tal manera que también varía la luz recogida por la célula fotosensible. Esta variación determina la cantidad de compresión aplicada Por el tiempo que emplean en todo este proceso, estos compresores tienen un tiempo de ataque y release (liberación) suaves. Gracias a ellos podemos obtener un sonido natural y muy musical, pero poco recomendados cuando quieres reducir la dinámica de sonidos muy transitorios.

"Se trata de un género que supone la adaptación de una representación teatral al medio radiofónico.Su origen lo encontramos en 1938 con “La Guerra de los Mundos” de Orson Welles. Esta emisión logró enloquecer a los ciudadanos que creyeron la invasión alienígena que se estaba narrando a través de la radio. En España tuvo sus años de esplendor con títulos tan reconocidos como “Ama Rosa” o “Matilde, Perico y Periquín”; seriales que lograron pegar las orejas a los transistores de millones de familias en nuestro país. “La saga de los porretas” fue la última apuesta de Cadena Ser, ya que la llegada de la televisión desbancó al medio radiofónico en los años 60. En las dramatizaciones se trabaja con un guión teatral o cinematográfico adaptado a la técnica de radio. Las voces de los actores junto con los efectos, atmósferas y colchones musicales logran recrear la historia. En cuanto a técnica, se emplean muchos cambios de planos sonoros al intentar reflejar la idea de cercanía y lejanía. Busca la credibilidad y es habitual su grabación en “falso directo” para un posterior trabajo de postproducción. "

Una puerta de ruido es un procesador de audio que trabaja la dinámica de la señal, es decir, altera el nivel sin modificar el contenido espectral. En este caso, su objetivo es bloquear el paso de señal por debajo de un umbral seleccionado. Cuando la señal de entrada supera dicho valor, la puerta se abre y deja pasar la señal. Su misión es «cerrar la puerta» a toda señal que no supere unos decibelios concretos (señal no deseada). Se trata de una herramienta aconsejable para salir del paso en situaciones con ruido de bajo nivel como el que puede venir de amplificadores, ambiente, zumbidos, etc. Su uso en control y mezcla en directo también es recomendable. ¿Es conveniente tener abierto durante toda la canción el micrófono de un timbal que sonará en sólo tres ocasiones? Una puerta de ruido en la microfonía de este instrumento te hará el trabajo más fácil. Otros procesadores de dinámica son los compresores, limitadores, expansores o de-esser.

Se trata de la mezcla sonora que escuchan los músicos sobre el escenario. En la actualidad, tan importante es el diseño sonoro que cubre la escucha del público como el que reciben los artistas. Para que éstos puedan centrarse en su interpretación, deben escucharse con claridad tanto a sí mismos como a sus compañeros. En general, un óptimo sistema de monitoreo contempla una mezcla diferente para cada artista, ya que las necesidades de escucha entre unos y otros difiere en función del instrumento o los criterios propios de cada uno. De tal manera que un vocalista necesitará escuchar una mezcla diferente a la del bajista o el batería. El sistema de monitores no se contempló desde los inicios de la música en directo. Fue el auge de los festivales lo que originó la necesidad de una escucha clara sobre el escenario, debido al aumento de público en los recintos. Bill Hanley, reconocido técnico en festivales de los años 60 del siglo pasado, fue el primero que colocó un monitor en el suelo orientado a un artista.